Bulevar Sheikh Mohammed Bin Rashid

Este bulevar tiene una memoria inusual. Aquí apenas hay muros antiguos oscurecidos por el tiempo, pero el lugar sabe recordar eventos que duraron solo unas pocas semanas. Las cintas de colores, los callejones iluminados y los columpios entre las torres desaparecían, pero cada vez cambiaban el ritmo habitual de la calle. Un espacio creado para el movimiento se convertía brevemente en un enorme cuadro o en un barrio residencial emiratí.

En la primavera de 2018, a lo largo del bulevar se extendió una instalación de la arquitecta y artista francesa Emmanuel Muro. Se titulaba «Cien flores» y ocupaba todo un kilómetro. Cientos de cintas verticales formaron un largo corredor arcoíris. Ondulaban con el aire, se superponían unas a otras, mezclaban tonos y fragmentaban la estricta perspectiva urbana en capas de color.

Este lenguaje artístico surgió en Muro tras su primer viaje a Tokio en 1995. La ciudad no la impactó por edificios individuales, sino por la densidad general de impresiones. Los letreros, cables, fachadas, transporte y pequeños trozos de cielo azul existían simultáneamente, como si el espacio estuviera compuesto por muchas superficies brillantes.

Muro acuñó para su método la palabra «shikiri», que en japonés significa división del espacio. En lugar de paredes y tabiques, la artista utiliza el color. Un tono marca un límite, otro revela la siguiente capa, otro hace que la distancia parezca más profunda. El espacio no se vuelve más estrecho, pero dentro de él aparece un orden especial.

En Dubái, este principio funcionó casi literalmente. La franja de color era tan ancha como la acera, por lo que nadie tenía que atravesarla. Sin embargo, la gente se desviaba hacia el interior. El camino recto habitual cedía paso a un pequeño viaje entre las cintas. La artista notó que los transeúntes percibían la obra no solo con los ojos. El color estaba cerca del rostro, la ropa, las manos; se movía con el viento y rodeaba a la persona por todos lados. Antes de regresar a Tokio, Muro dijo que aquí la gente parecía sentir el color con todo el cuerpo, incluso cuando no lo miraban.

Años después, el bulevar cambió nuevamente. En invierno de 2021, siete jóvenes autores locales crearon aquí el proyecto «Al Hai» («el barrio»). Roada Al Sayegh, Yara Manla, Raghad Al Ali, Fatima Al Awadi, Iman Al Rahma, Ahmed Geisa y Abdalla Khoury trasladaron al centro moderno de Dubái elementos de los antiguos barrios residenciales de los Emiratos.

Así, junto a las torres, surgió el recuerdo de otro entorno urbano: bajo, estrecho y hogareño. Había sikkas (pasillos estrechos entre casas), majlis (salas para invitados), bakalas (pequeñas tiendas cerca de la casa) y al hawi (patios interiores). Estos espacios se conocen no por fachadas solemnes, sino por la vida cotidiana: breves encuentros con vecinos, charlas en las entradas, juegos infantiles y compras que no requieren alejarse mucho.

Los autores no intentaron construir una copia exacta del antiguo barrio. Tradujeron sus detalles al lenguaje de la luz. En el lugar del callejón aparecieron postes luminosos con pájaros. La bakala se convirtió en estanterías de lámparas, y las botellas sobre ellas estaban compuestas por paneles de luz retorcidos. En el patio colgaban columpios. La obra «Al Saha» («la plaza») se componía de cuadrados luminosos para jugar a la rayuela.

Se obtuvo un barrio sin muros pesados, pero con un carácter reconocible. La luz no solo definía la forma de las casas y los objetos, sino también las relaciones entre las personas. El majlis recordaba la hospitalidad, el patio la vida familiar compartida, el callejón la proximidad de los vecinos, la pequeña tienda la comunicación diaria habitual. Entre la gran ciudad moderna surgió un mapa en miniatura de la memoria.

Incluso el material de esta instalación vinculaba diferentes épocas. Las lámparas no se compraron especialmente: se recogieron de piezas sobrantes de los anteriores Festivales Comerciales de Dubái. La decoración festiva, que normalmente desaparece tras finalizar el evento, obtuvo un nuevo rol. La luz antigua pasó a representar un estilo urbano aún más antiguo.

Esta capacidad de conectar lo disparate es visible también en la colección callejera permanente del bulevar. Aquí se encuentra la escultura «Juntos» del maestro sirio Lutfi Romhein. Dos figuras humanas están juntas: un hombre de mármol blanco y una mujer de granito negro. Ambos visten ropa tradicional.

Romhein eligió no solo colores diferentes, sino piedras de distintas partes de Europa. Para la figura masculina se utilizó mármol blanco italiano; para la femenina, granito negro sueco. La piedra clara acepta más fácilmente los reflejos solares, mientras que la oscura parece una sombra casi sólida. Su diferencia salta a la vista inmediatamente, sin embargo, el título de la obra no habla de oposición, sino de unidad.

En las figuras no hay acción compleja. No representan una escena ni explican relaciones mediante gestos. Lo más importante ya ha ocurrido: estos dos están juntos. El blanco y el negro, lo masculino y lo femenino, dos piedras diferentes se combinan en una composición tranquila. En un bulevar donde constantemente se cruzan personas y rutas, esta contención resuena con especial claridad.

Lutfi Romhein nació en la región de Kraye (Siria) en 1954. El trabajo con la piedra se convirtió para él en una conversación a través de la forma, la textura y el peso del material. Aquí las figuras pesadas parecen testigos casi silenciosos de una ciudad que cambia rápidamente. Pueden aparecer y desaparecer instalaciones de luz alrededor, pero el mármol blanco y el granito negro continúan manteniendo su tranquila pausa.

Cerca de aquí, esta colección callejera se complementa con un grupo de camellos del escultor sudafricano Donald Greig. El maestro, apasionado por la vida salvaje, trabajó en ella durante ocho meses. La composición incluye tres animales: un camello adulto, una cría y una figura acostada. Ya no es una pareja humana, sino una pequeña escena de la vida de un caraván: tranquila, casi familiar.

Los camellos vinculan el paisaje urbano con la naturaleza del desierto, mientras que «Juntos» conecta la calle moderna con la ropa tradicional y el material antiguo. Las cintas de colores de Muro hablaban del espacio a través de los tonos. «Al Hai» narraba la memoria a través de la luz. Las figuras de piedra de Romhein expresan proximidad mediante el contraste, y los animales de Greig devuelven entre la arquitectura la imagen de un camino desértico.

Así, el bulevar resulta no ser simplemente una carretera entre edificios altos. Funciona como una galería abierta donde las obras no están separadas de la ciudad por muros museísticos. Algunas permanecen mucho tiempo, otras solo viven durante una temporada. Pero todas cambian el movimiento a su alrededor. Aquí el color hizo que los transeúntes se desviaran del camino recto, la luz devolvió los antiguos callejones y la piedra convirtió la simple vecindad de dos figuras en un diálogo sobre lo que significa estar juntos.